Среди живописных работ, переданных в Русский музей в момент его основания, заметную и значимую в художественном отношении часть составили произведения ведущих мастеров второй половины XIX в. (И.К.Айвазовский, В.М.Васнецов, К.Е.Маковский, И.Е.Репин, В.Д.Поленов, В.И.Суриков). Несмотря на то, что отбор картин для музея в первые два десятилетия его существования был несколько ограничен консервативными вкусами Совета Академии художеств, диапазон представленной в коллекции живописи постоянно расширялся. В этом огромная заслуга сотрудников музея, таких как Альберт Бенуа и Александр Бенуа, И.Э.Грабаръ, П.И.Нерадовский и др.
Важные шаги были предприняты для комплектования собрания картин современных художников. Отдельные полотна и целые группы произведений поступали с выставок И.И.Левитана (в 1901 г. — посмертная), В.В.Верещагина (в 1905 г. — посмертная), Я.Ф.Ционглинского (в 1914 г. — посмертная), Товарищества передвижных художественных выставок (С.Ю.Жуковского, Н.А.Касаткина, И.И.Левитана, В.Е.Маковского), Нового общества художников (Б.М.Кустодиева, Н.М.Фокина), от авторов (А.Я.Головин, В.А.Серов, М.В.Нестеров), от случайных владельцев («Трапеза» В.Г.Перова, «Портрет О.К.Орловой» В.А.Серова и др.).
Заметным вкладом в собрание живописи стали переданные музею в 1918 г. эскизы М.А.Врубеля и картины К.А.Сомова из обширной коллекции В.Н.Аргутинского-Долгорукова. Вскоре на хранение в музей поступили собрание Н.И. и Е.М.Терещенко, состоявшее главным образом из произведений художников конца XIX — начала XX в. (в том числе «Богатырь» и «Шестикрылый серафим» М.А.Врубеля), собрание А.А.Коровина, где были полотна кисти В.А.Серова, Ф.А.Малявина, М.В.Нестерова, К.А.Коровина, а также представителей художественных объединений «Мир искусства», «Голубая роза» и «Бубновый валет».
Пополнение коллекции живописи второй половины XIX — начала XX вв. не прекращалось и в 1930-е гг. В это время из Музея революции среди других работ было передано «Торжественное заседание Государственного совета» кисти И.Е.Репина. Из Государственной Третьяковской галереи в Русский музей поступили полотна мастеров, слабо представленных в собрании последнего («Гитарист-бобыль» и «Портрет Ивана Сергеевича Тургенева» В.Г.Перова, «Автопортрет» Н.В.Неврева, «Курсистка» Н.А.Ярошенко, «Летящий демон» М.А.Врубеля и «Бабы» Ф.А.Малявина).
За последние двадцать лет в музей поступило около двухсот произведений живописи второй половины XIX — начала XX в. Большая часть их этих работ была подарена в 1998 г. братьями И.А. и Я.А.Ржевскими. Обширное собрание картин русских художников, включающее полотна И.К.Айвазовского, И.И.Шишкина, Н.Н.Дубовского, Б.Н.Кустодиева, К.Я.Крыжицкого м многих других мастеров, сейчас представляет постоянную экспозицию музея в здании Мраморного дворца. Также необходимо отметить несколько этюдов и картин отечественных художников конца XIX — XX в. (С.Ю.Жуковский, Е.И.Столица, А.Б.Лаховский и др.), переданных в дар в 2009 г. от Н.П.Ивашкевич. Заметным приобретением последних лет стала картина И.Е.Репина «Портрет военного», ранее принадлежащая одной из североамериканских компаний.
В 1926 г. в дополнение к Художественному отделу Русского музея было создано Отделение новейших течений. Его фонды начали целенаправленно пополняться произведениями авангардных художественных направлений и творческих объединений первой четверти ХХ в., в том числе работами Н.С.Гончаровой, В.В.Кандинского, П.П.Кончаловского, П.В.Кузнецова, М.Ф.Ларионова, А.В.Лентулова, К.С.Малевича, Л.С.Поповой, В.Е.Татлина, Р.Р.Фалька, П.Н.Филонова, М.З.Шагала и многих других.
К 1927 г. в экспозиции Русского музея были последовательно представлены многочисленные новейшие течения от постимпрессионизма до беспредметничества. Отделение новейших течений просуществовало всего три года, однако оно, по существу, положило начало Отделу советской живописи ГРМ (1932-1991гг.), который на данный момент (в составе Отдела живописи 2-й половины XIX-XXI вв.) обладает постоянно пополняющимися фондами. Эти фонды, превышающие 6000 единиц хранения, охватывают практически все направления, школы, тенденции, основные виды и жанры развития русского искусства ХХ — начала XXI вв.
Русский музей располагает одной из крупнейших коллекций произведений раннего русского авангарда и его ведущих мастеров. В живописном собрании представлены основные новаторские течения середины 1910-х гг.: абстракционизм (В.В.Кандинский) и его сугубо русская ветвь — лучизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова), неопримитивизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, А.В.Шевченко, К.С.Малевич), кубофутуризм (Д.Д.Бурлюк, К.С.Малевич, И.А.Пуни, Л.С.Попова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер и др.), супрематизм (К.С.Малевич, И.А.Пуни, О.В.Розанова, И.В.Клюн), конструктивизм (В.Е.Татлин, А.М.Родченко, А.А.Экстер, Л.В.Попова), аналитическое искусство (П.Н.Филонов). Уникальны по своей полноте коллекции произведений мастеров, создавших новаторские художественные системы (К.С.Малевич, П.Н.Филонов, К.С.Петров-Водкин), а также отдельных крупных живописцев, в том числе тех, чей творческий путь начинался уже в советское время (С.В.Герасимов, П.П.Кончаловский, П.В.Кузнецов, Б.М.Кустодиев, В.В.Лебедев, А.А.Рылов, А.В.Шевченко, Н.М.Ромадин). Также в коллекции музея представлены работы художников — представителей значительных школ, существовавших в советское время (например, ленинградская школа пейзажной живописи 1930-х — 1950-х гг.).
Искусство социалистического реализма, демонстрирующее высокие художественные достоинства, сюжетную ясность, программную склонность к «большому стилю», отражено в полотнах А.А.Дейнеки, А.Н.Самохвалова, А.А.Пластова, Ю.И.Пименова и многих других советских художников, продолжавших работать в годы Великой Отечественной войны, и во второй половине ХХ в. В золотой фонд советского искусства вошли также находящиеся в собрании Русского музея произведения представителей «сурового стиля» и соприкасавшихся с ним направлений поисков советских живописи 1960-х-1970-х гг. В собрании музея находятся работы таких мастеров послевоенного искусства, как Н.И.Андронов, В.В.Ватенин, Д.Д.Жилинский, В.И.Иванов, Г.М.Коржев, Е.Е.Моисеенко, П.Ф.Никонов, П.П.Оссовский, В.Е.Попков, В.М.Сидоров, В.Ф.Стожаров, братья А.П. и С.П.Ткачевы, Б.С.Угаров, П.Т.Фомин и другие, созданные в широком жанровом диапазоне — от исторической картины до натюрморта.
Имевшая место в 1970–1980-е гг. актуализация отвергавшегося ранее художественного опыта породила в недрах официального искусства плеяду мастеров, работавших в русле «картины идей», связанной с метафорическим, многоплановым осмыслением окружающего мира и человеческой жизни (О.В.Булгакова, Т.Г.Назаренко, Н.И.Нестерова, И.В.Правдин, А.А.Сундуков и др.). В период «перестройки» (1985-1991гг.) собрание Русского музея пополнил ряд имен художников, работавших в рамках андеграунда. Ныне коллекция современной живописи — весьма мобильная и быстрорастущая часть фондов ХХ — начала ХХI вв., но продолжается и всестороннее формирование всего живописного собрания.
Смотреть экспонаты коллекции на портале «Виртуальный Русский музей»
Расширенный поиск по коллекциям
Все произведения
Выводить на странице: 20 / 60 / 100 / 500
Картина «Триумф Цереры»
XVII в
Кавалерийское сражение
Середина XVII в.
Картина «Пейзаж со стадом»
XVII в
Портрет царя Алексея Михайловича
Не позднее 1670 (?)
Портрет царя Иоанна V Алексеевича
Последняя четверть ХVII века.
Портрет царя Алексея Михайловича
Вторая половина XVII века. 1680-е (?)
Портрет царя Ивана IV Грозного
Портрет царя Михаила Федоровича
Вторая половина XVII века. 1680-е (?)
Портрет царицы Марфы Матвеевны
Не позднее 27 апреля 1682
Портрет самодержицы Софьи Алексеевны
Конец XVII в. (?)
Портрет царицы Натальи Кирилловны
1687
Портрет «патриарха» Милака – боярина Матвея Филимоновича Нарышкина
Между 1688 и 1692. Не позднее 1692 (?)
Приморский город
Конец XVII в.
Портрет князя Аникиты Ивановича Репнина
Конец 1694 — первая половина 1695
Портрет царицы Натальи Кирилловны
Конец января – начало февраля 1694 (?)
Портрет Б. П. Шереметева
Конец XVII века
Портрет Ермака
Конец XVII -XVIII (?)
Портрет Якова Тургенева
1694 (?)
Шедевры
Выводить на странице: 20 / 60 / 100 / 500
Портрет Якова Тургенева
1694 (?)
Портрет царевны Натальи Алексеевны
Не позднее 1716 (?)
Портрет царевен Анны Петровны и Елизаветы Петровны
1717
Портрет напольного гетмана
1720-е
Петр I в Полтавской битве
1724 (1725?)
Портрет цесаревны Елизаветы Петровны
1724 (?)
Петр I на смертном ложе
1725
Портрет барона С. Г. Строганова
1726
Автопортрет с женой
1729 (?). Не ранее 1728 (?)
Портрет великого князя Петра Федоровича и великой княгини Екатерины Алексеевны
1745 (?)
Портрет С. Э. Фермор
1749 (50?)
Портрет княгини Е. А. Лобановой-Ростовской
1754
Летний дворец со стороны Летнего сада в Петербурге
Третья четверть XVIII века
Портрет В. Г. Фермора
Вторая половина 1750-х
Портрет Петра III
Около 1762
Портрет Ф. Г. Волкова
1760 (?), 1763 (?)
Портрет графини А. К. Воронцовой (урожденной Скавронской)
1763
Портрет М. А. Румянцевой
1764
Рекомендуем
История коллекции
Русский музей с самого момента своего создания рассматривался, прежде всего, как собрание отечественной живописи. Ныне в его коллекции около 15 тысяч произведений живописцев XVIII-XX веков. К моменту же открытия музея его коллекция насчитывала около четырехсот полотен. Ядро собрания составили поступления из трех основных источников — Эрмитажа, Академии художеств и императорских дворцов — Зимнего в Петербурге и пригородных.
Показать полный текст
Скрыть полный текст
Среди 80 полотен Русского отдела Эрмитажа, полностью переданного новому музею, выделялись произведения К.П.Брюллова («Последний день Помпеи») и Ф.А.Бруни («Медный змий»); И.К.Айвазовского («Девятый вал») и Г.И.Семирадского («Фрина на празднике Посейдона»); В.Л.Боровиковского («Портрет Муртазы-Кули-хана») и А.А.Иванова («Явление Христа Марии Магдалине»).
Произведения, этапные для характеристики русской школы живописи этого периода пришли в музей и в числе 122 полотен, переданных Императорской Академией художеств, Это такие яркие произведения своей эпохи как «Портрет Евграфа Давыдова» кисти О.А.Кипренского, виды Бахчисарая и Николаева, исполненные Ф.Я.Алексеевым, «Сусанна и старцы» П.В.Басина, «Гумно» А.Г.Венецианова, «Фортуна и нищий» А.Т.Маркова.
Существенный вклад в формирование коллекции Русского музея внесли произведения, переданные из Зимнего, Царскосельского Александровского и Гатчинского дворцов (коллекция императора Александра III). Вмести с ними в музей пришли работы К.П.Брюллова (например, «Портрет графини Юлии Павловны Самойловой с приемной дочерью Амацилией Паччини»), «Черкес» и «Башкир» А.О.Орловского, «Девушка на сеннике» А.Г.Венецианова, «Гитарист» и «Девочка с куклой» В.А.Тропинина, «Сватовство майора» П.А.Федотова.
Раздел портретной живописи XVIII в. существенно дополнила приобретенная у наследников в 1897 г. коллекция А.Б.Лобанова-Ростовского. Среди нескольких десятков холстов, в нее входивших, необходимо отметить портреты И.И. и Е.А.Лобановых-Ростовских работы И.П.Аргунова, «Портрет А.Д.Ланского» кисти Д.Г.Левицкого, произведения многих иностранных мастеров, работавших в России в XVIII веке, — И.- Г.Таннауера, Г.- Х.Гроота, П.Ротари, Ж.- Б.Вуаля и других.
Среди живописных работ, переданных в Русский музей в момент его основания, заметную и значимую в художественном отношении часть составили произведения ведущих мастеров второй половины XIX в. (И.К.Айвазовский, В.М.Васнецов, К.Е.Маковский, И.Е.Репин, В.Д.Поленов, В.И.Суриков).
Таким образом, уже к моменту открытия музей обладал представительным собранием живописи художников национальной школы. Досадные пробелы, образовавшиеся в нем и с сожалением отмечавшиеся еще современниками, были связаны с тем, что многие произведения живописцев XVIII в., составлявшие гордость национальной школы, оставались в императорских дворцах, почти не приобретались произведения современных мастеров неакадемического направления.
Тем не менее, активная деятельность крупных представителей отечественной культуры, входивших в Совет Художественного отдела, таких как Альберт Н.Бенуа, П.А.Брюллов, К.В.Лемох и особенно П.И.Нерадовский, хранитель художественного отдела с 1909 г., опиравшихся на содействие коллекционеров и знатоков М.П.Боткина, Александра Н.Бенуа, И.Э.Грабаря, обеспечила поступление в музей высокохудожественных произведений мастеров XVIII в. — А.П.Антропова («Портрет М.А.Румянцевой»), И.Я.Вишнякова (портреты Сарры и Вильгельма Ферморов), Д.Г.Левицкого («Портрет А.С.Протасовой»), Ф.С.Рокотова («Портрет Е.В.Санти» и «Портрет Л.Ф.Санти»), В.Л.Боровиковского («Портрет Е.Н.Арсеньевой»), значительных полотен кисти живописцев первой половины XIX столетия («Портрет А.Ф.Фурман», «Портрет О.А.Рюминой», «Портрет К.И.Альбрехта» О.А.Кипренского; ряд эскизов, исполненных А.А.Ивановым).
Важные шаги были предприняты для комплектования собрания картин современных художников. Отдельные полотна и целые группы произведений поступали с выставок И.И.Левитана (в 1901 г. — посмертная), В.В.Верещагина (в 1905 г. — посмертная), Я.Ф.Ционглинского (в 1914 г. — посмертная), Товарищества передвижных художественных выставок (С.Ю.Жуковского, Н.А.Касаткина, И.И.Левитана, В.Е.Маковского), Нового общества художников (Б.М.Кустодиева, Н.М.Фокина), от авторов (А.Я.Головин, В.А.Серов, М.В.Нестеров), от случайных владельцев («Трапеза» В.Г.Перова, «Портрет О.К.Орловой» В.А.Серова и др.).
Хотя собрание живописи за предреволюционные годы почти утроилось, активное пополнение коллекции произошло в конце 1910-х — начале 1920-х гг. В это время достоянием национальной сокровищницы стали многие частные собрания. Уже в 1917 г. в музей поступила богатейшая коллекция М.П.Боткина, включавшая свыше восьмидесяти эскизов к «Явлению мессии» А.А.Иванова. Заметным вкладом в собрание живописи стали переданные музею в 1918 г. эскизы М.А.Врубеля и картины К.А.Сомова из обширной коллекции В.Н.Аргутинского-Долгорукова. Вскоре на хранение в музей поступили собрание Н.И. и Е.М.Терещенко, состоявшее главным образом из произведений художников конца XIX — начала XX в. (в том числе «Богатырь» и «Шестикрылый серафим» М.А.Врубеля), собрание А.А.Коровина, где были полотна кисти В.А.Серова, Ф.А.Малявина, М.В.Нестерова, К.А.Коровина, а также представителей художественных объединений «Мир искусства», «Голубая роза» и «Бубновый валет».
В первые послереволюционные десятилетия Русский музей получил многие сотни превосходных произведений из созданных тогда и впоследствии расформированных постоянных выставок и дворцов-музеев. Как правило, они передавались в Государственный музейный фонд, а затем распределялись по музеям. В конце 1922 г. было принято решение о передаче в ГРМ всего собрания Музея Академии художеств, включая и портретную галерею Зала совета.
В результате интенсивного комплектования уже в первые десять лет после Октябрьской революции 1917 г. в собрании музея были заполнены лакуны и сглажены неровности, обусловленные историческими обстоятельствами его формирования.
По широте и глубине охвата коллекция Русского музея стала крупнейшим в мире собранием национальной живописи. Масштабная деятельность по комплектованию в 1930-е гг. развивалась и за счет обмена произведениями между Русским музеем, Третьяковской галереей и Эрмитажем. Из Государственной Третьяковской галереи в Русский музей поступили полотна мастеров, слабо представленных в собрании последнего («Гитарист-бобыль» и «Портрет Ивана Сергеевича Тургенева» В.Г.Перова, «Автопортрет» Н.В.Неврева, «Курсистка» Н.А.Ярошенко, «Летящий демон» М.А.Врубеля и «Бабы» Ф.А.Малявина). В это время из Музея революции среди других работ было передано «Торжественное заседание Государственного совета» кисти И.Е.Репина.
За последние двадцать лет в музей поступило около двухсот произведений живописи второй половины XIX — начала XX в. Большая часть их этих работ была подарена в 1998 г. братьями И.А. и Я.А.Ржевскими. Обширное собрание картин русских художников, включающее полотна И.К.Айвазовского, И.И.Шишкина, Н.Н.Дубовского, Б.Н.Кустодиева, К.Я.Крыжицкого м многих других мастеров, сейчас представляет постоянную экспозицию музея в здании Мраморного дворца.
В 1926 г. в дополнение к Художественному отделу Русского музея было создано Отделение новейших течений. Его фонды начали целенаправленно пополняться произведениями авангардных художественных направлений и творческих объединений первой четверти ХХ в., в том числе работами Н.С.Гончаровой, В.В.Кандинского, П.П.Кончаловского, П.В.Кузнецова, М.Ф.Ларионова, А.В.Лентулова, К.С.Малевича, Л.С.Поповой, В.Е.Татлина, Р.Р.Фалька, П.Н.Филонова, М.З.Шагала и многих других.
К 1927 г. в экспозиции Русского музея были последовательно представлены многочисленные новейшие течения от постимпрессионизма до беспредметничества. Отделение новейших течений просуществовало всего три года, однако оно, по существу, положило начало Отделу советской живописи ГРМ (1932-1991 гг.), который на данный момент (в составе Отдела живописи 2-й половины XIX-XXI вв.) обладает постоянно пополняющимися фондами. Эти фонды, превышающие 6000 единиц хранения, охватывают практически все направления, школы, тенденции, основные виды и жанры развития русского искусства ХХ — начала XXI вв.
Русский музей располагает одной из крупнейших коллекций произведений раннего русского авангарда и его ведущих мастеров. В живописном собрании представлены основные новаторские течения середины 1910-х гг.: абстракционизм (В.В.Кандинский) и его сугубо русская ветвь — лучизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова), неопримитивизм (М.Ф.Ларионов, Н.С.Гончарова, А.В.Шевченко, К.С.Малевич), кубофутуризм (Д.Д.Бурлюк, К.С.Малевич, И.А.Пуни, Л.С.Попова, Н.А.Удальцова, А.А.Экстер и др.), супрематизм (К.С.Малевич, И.А.Пуни, О.В.Розанова, И.В.Клюн), конструктивизм (В.Е.Татлин, А.М.Родченко, А.А.Экстер, Л.В.Попова), аналитическое искусство (П.Н.Филонов).
Уникальны по своей полноте коллекции произведений мастеров, создавших новаторские художественные системы (К.С.Малевич, П.Н.Филонов, К.С.Петров-Водкин), а также отдельных крупных живописцев, в том числе тех, чей творческий путь начинался уже в советское время (С.В.Герасимов, П.П.Кончаловский, П.В.Кузнецов, Б.М.Кустодиев, В.В.Лебедев, А.А.Рылов, А.В.Шевченко, Н.М.Ромадин). Также в коллекции музея представлены работы художников — представителей значительных школ, существовавших в советское время (например, ленинградская школа пейзажной живописи 1930-х — 1950-х гг.).
Искусство социалистического реализма, демонстрирующее высокие художественные достоинства, сюжетную ясность, программную склонность к «большому стилю», отражено в полотнах А.А.Дейнеки, А.Н.Самохвалова, А.А.Пластова, Ю.И.Пименова и многих других советских художников, продолжавших работать в годы Великой Отечественной войны, и во второй половине ХХ в.
В золотой фонд советского искусства вошли также находящиеся в собрании Русского музея произведения представителей «сурового стиля» и соприкасавшихся с ним направлений поисков советских живописи 1960-х-1970-х гг. В собрании музея находятся работы таких мастеров послевоенного искусства, как Н.И.Андронов, В.В.Ватенин, Д.Д.Жилинский, В.И.Иванов, Г.М.Коржев, Е.Е.Моисеенко, П.Ф.Никонов, П.П.Оссовский, В.Е.Попков, В.М.Сидоров, В.Ф.Стожаров, братья А.П. и С.П.Ткачевы, Б.С.Угаров, П.Т.Фомин и другие, созданные в широком жанровом диапазоне — от исторической картины до натюрморта.
Имевшая место в 1970–1980-е гг. актуализация отвергавшегося ранее художественного опыта породила в недрах официального искусства плеяду мастеров, работавших в русле «картины идей», связанной с метафорическим, многоплановым осмыслением окружающего мира и человеческой жизни (О.В.Булгакова, Т.Г.Назаренко, Н.И.Нестерова, И.В.Правдин, А.А.Сундуков и др.).
В период «перестройки» (1985-1991гг.) собрание Русского музея пополнил ряд имен художников, работавших в рамках андеграунда. Ныне коллекция современной живописи — весьма мобильная и быстрорастущая часть фондов ХХ — начала ХХI вв., но продолжается и всестороннее формирование всего живописного собрания.
Прошедшие лекции и мероприятия в мультимедийном кинотеатре
«Виртуальный Русский музей» в социальных сетях:
Главные шедевры Русского музея
«Девятый вал», «Бурлаки на Волге», «Чёрный квадрат» и другие работы знаменитых мастеров
Здесь хранится крупнейшее собрание русского искусства в мире: от старинных икон до картин современных художников. Тому, кто оказался в этом музее впервые или хочет подробно ознакомиться с коллекцией, непросто сориентироваться в таком многообразии. Этот гид поможет не пройти мимо главных шедевров Государственного Русского музея в Санкт‑Петербурге.
Материал подготовлен редакцией Tripster при участии местных гидов
Юлия
Знает всё о петербургских дворцах и усадьбах, а ещё водит экскурсии по Русскому музею, где с вдохновением рассказывает о судьбах великих художников и их полотнах.
-
Максим
Поделится малоизвестными фактами о шедеврах живописи, проведёт не только по залам Русского музея, но и по главным достопримечательностям Петербурга.
Сегодня собрание занимает шесть зданий, расположенных в разных частях Санкт‑Петербурга. Обойти их за день практически невозможно. Однако можно ограничиться главным зданием Государственного Русского музея — Михайловским дворцом, вход в который расположен со стороны площади Искусств. Прямо из него по переходу можно попасть в Корпус Бенуа, где проходят временные выставки и расположена постоянная экспозиция живописи XX века.
Список ниже — не строгая рекомендация. Однако знакомство именно с этими работами позволит посетителю осмотреть основные экспозиции, а также понять, в каком направлении развивалась живопись в России в XIX-XX веках.
Михайловский дворец, зал № 14
Идея создания этого произведения пришла к художнику после посещения раскопок Помпей. История древнего города, погребённого под слоем лавы и пепла в результате извержения Везувия, произвела на Брюллова большое впечатление. Он решил изобразить это событие на огромном полотне и потратил на работу шесть лет.
Одно лицо
На картине можно увидеть не только самого художника, но и возлюбленную Карла Брюллова. Это Юлия Павловна Самойлова. Если приглядеться к женщинам на картине, то в каждом лице можно узнать её черты.
Юлия, гид в Санкт-Петербурге
Губительная слава
Картина, законченная в 1833 году в Риме, была поднесена заказчиком, Анатолием Демидовым, Николаю I. Впечатлённый полотном, император вызвал Брюллова в Петербург для работы в Академии художеств и оформления интерьеров Исаакиевского собора. Проводя в сыром храме часы напролёт, художник подорвал здоровье и вскоре скончался в возрасте 52 лет. Не будь картина «Последний день Помпеи» столь успешной, Брюллов мог бы спокойно и благополучно продолжать работать в Италии.
Максим, гид в Санкт-Петербурге
В центре композиции — младенец, прильнувший к телу мёртвой матери, как символ падения старого мира и зарождения нового. Справа и слева — жители римской провинции, застывшие в вечном ужасе перед лицом стихии. Среди них христианский священник, олицетворяющий новую веру. Брюллов противопоставляет ему языческого жреца, убегающего с храмовыми реликвиями. В толпе также можно заметить художника с ящиком красок на голове — это автопортрет Брюллова.
После невероятного успеха в Европе работу высоко оценили и в России. Николай I захотел лично познакомиться с её автором, А. С. Пушкин посвятил ей стихотворение, Н. В. Гоголь — большую статью, а самого Брюллова окрестили «великим Карлом».
Михайловский дворец, зал № 14
Девятый вал — это самая страшная волна во время шторма. Так гласит поверье, бытующее среди моряков. Родившийся и выросший на черноморском побережье Айвазовский наверняка был с ним знаком. По одной из версий, он стал свидетелем свирепого буйства стихии во время морского путешествия по Европе. Кстати, в прессе тогда даже ошибочно была распространена информация, что художник погиб!
За свою жизнь Айвазовский написал около 6000 полотен, среди которых большая часть — морские пейзажи. Однако эта работа занимает особое место в его творчестве. Несмотря на огромные размеры (три на два метра), она была написана всего за 11 дней! И сразу стала настоящим хитом — на неё приходили посмотреть по несколько раз в неделю. По успешности это произведение можно сравнить только с брюлловским «Последним днём Помпеи».
Михайловский дворец, зал № 33
Вместе с этой работой в русском искусстве родилось новое направление — реализм. Ранее никто и никогда не пытался изобразить тяготы простого народа на большом полотне. Репин не просто показал труд бурлаков без прикрас — он усилил гнетущее впечатление за счёт плывущего в противоположном направлении буксира, который призван облегчить их участь, но по какой-то причине не используется.
Репин так драматично прописал героев, что в следующие два факта трудно поверить. Во-первых, живописец не ставил своей целью показать социальную несправедливость. Его просто вдохновил образ волжских работяг. Во-вторых, этот труд был добровольным, высокооплачиваемым (за сезон судоходства можно было заработать на безбедную зиму) и, как бы сейчас сказали, «проектным» (бурлаков приглашали, если баржа садилась на мель).
Произведение было представлено на Всемирной выставке в Вене, прославив Репина в Европе. После этого картину, в которой публика увидела критику имперского строя, приобрёл великий князь Владимир Александрович. Многие годы она висела в бильярдной его дворца.
Михайловский дворец, зал № 28
Это одна из нескольких картин Васнецова, написанная по мотивам былины об Илье Муромце. Первую работу художник закончил в 1877 году и представил на выставке, однако остался ей недоволен. А спустя пять лет написал того самого «Витязя на распутье», который сегодня признан шедевром и выставлен в Русском музее.
Выхода нет
Всегда считалось, что эта картина о трудности выбора. Но если прочитать надпись на камне, то выходит, что выбора у витязя нет. Надпись гласит: «Как пряму ехати, живу не бывати, нет пути ни проезжему, ни прохожему, ни пролётному».
Юлия, гид в Санкт-Петербурге
Художник на распутье
Виктор Васнецов считал «Витязя на распутье» самой удачной своей работой. Недаром сюжет этой картины воспроизведён на надгробии художника на Введенском кладбище в Москве, ведь именно с неё и началось его собственное распутье, когда он ушёл от жанровой бытовой передвижнической живописи к исторической, основанной на фольклорной тематике.
Максим, гид в Санкт-Петербурге
От предыдущих картина 1882 года отличалась размером (Васнецов увеличил полотно) и несколькими важными деталями: пропала дорога, по которой пришёл витязь, и распутье с тремя тропинками. Сам богатырь теперь изображён спиной к зрителю (в предыдущих версиях — лицом или вполоборота). А от текста на камне, прежде предвещавшего три варианта развития событий (женитьбу, богатство и смерть), остался лишь один — самый мрачный.
О символических значениях этих изменений спорят до сих пор. Однако большинство сходится во мнении, что Васнецов хотел усилить ощущение судьбоносности выбора, который стоит перед героем.
Всего, по разным оценкам, существует до десяти версий картины. Одна из них выставлена в Серпуховском историко-художественном музее.
Михайловский дворец, зал № 36
Суриков взял за основу сюжета для картины трагический эпизод, когда после череды кровопролитных битв с французами и изнурительных горных переходов измотанному войску под командованием А. В. Суворова оставалось преодолеть последний перевал — Паникс. Глубокой осенью 1799 года в Альпах уже стояли морозы. Впереди — пугающая бездна, вокруг — снегопад и сильный ветер, отступать нельзя. Этот переход занял сутки и унёс жизни как минимум двухсот человек.
Шутка полководца
Если присмотреться к фигуре Суворова на коне, то можно заметить, что он улыбается. Полководец юмором вдохновляет верных солдат на подвиг, подбадриваемые им, они летят в бездну. И их готовность следовать за командиром поражает! Сам Суриков называл свою картину «подвигом под шутку полководца». Живописец завершил полотно в 1899 году — как раз к столетию Швейцарского похода Суворова. В том же году картину купил Николай II для недавно учреждённого Русского музея.
Максим, гид в Санкт-Петербурге
Художник работал над картиной около четырёх лет. За это время он несколько раз ездил на место событий: рисовал альпийские пейзажи с натуры и даже скатывался со снежных склонов, чтобы представить, что чувствовали участники похода. Такое погружение в тему позволило очень точно изобразить эмоции и позы солдат, а также горный спуск, для многих из них оказавшийся смертельным. Это полотно необычно и из-за вертикальной ориентировки холста, нетипичной для того времени и для этого жанра. Таким образом автор хотел усилить ощущение неудержимого падения в пропасть.
Флигель Росси, зал № 41
Этот пейзаж не был написан с натуры и не существовал в действительности. Это обобщённый образ планеты Земля, порождённый фантазией Рериха.
Великий интуитивист
Идея картины возникла у Рериха в период, когда он работал над оформлением постановки оперы «Валькирия» Рихарда Вагнера. В первоначальном эскизе художник изобразил фигуры могучих дев-воительниц, сражающихся в небесной выси. Однако в окончательном варианте отказался от излишней литературности. Поэтому в картине «Небесный бой» в бесконечном пространстве причудливо клубятся цветные облака. Публика посчитала полотно, полное тревоги и созданное незадолго до Первой мировой войны, пророческим, а писатель Максим Горький даже назвал художника «великим интуитивистом».
Максим, гид в Санкт-Петербурге
Как и на других его картинах, главное место здесь отведено цвету. Кучевые облака, занимающие большую часть холста, написаны на контрасте светлого и тёмного, холодного и тёплого, что подчёркивает нереальность пейзажа. Они конфликтуют и одновременно гармонируют друг с другом.
При этом основное чувство, которое остаётся от созерцания работы, — тревога. Вероятно, изображение неспокойного неба — это авторская попытка передать собственные переживания, связанные с ощущением предстоящей войны.
Корпус Бенуа, зал № 71
Самый удивительный факт, связанный с этой работой, — Кустодиев написал её будучи прикованным к инвалидному креслу из-за тяжёлой болезни. Несмотря на это, ему удалось создать шедевр. И, кстати, всего за несколько дней!
Образ состоятельной купчихи списан с соседки Кустодиева. Модель была молода и не отличалась выдающимися формами. Живописец сознательно прибавил ей возраста и веса. Первое — для солидности, второе — для красоты: худоба, как он говорил, его не вдохновляла. К слову, из-за обилия пышнотелых красавиц на кустодиевских полотнах художника даже называли русским Рубенсом.
Для одних эта работа — ностальгия по богатой купеческой жизни. Для других — карикатура на «третье сословие». Последнее мнение было особенно распространено в советское время. Сейчас искусствоведы склонны считать, что таким образом художник прощался со старым миром, которого не стало после революции 1917 года.
Корпус Бенуа, зал № 79
На этом полотне запечатлён трагический эпизод Гражданской войны: раненный в битве комиссар умирает на руках бойца, в то время как возглавляемый им отряд красноармейцев продолжает сражение.
В созданных художником образах заложены идеи преданности идеалам революции. Именно такую задачу поставил перед ним революционный военный совет, заказывая картину к 10-летию Красной армии. Петров-Водкин прекрасно справился, что принесло ему всеобщее признание.
«Смерть комиссара» заслуживает внимания ещё по одной причине. В этой работе автор отказался от линейной перспективы, применив особый метод построения пространства — «сферический». В его основе — ощущение мира как единого целого. Используя этот приём, автор создаёт дополнительный объём и динамику и как бы выводит единичное событие, изображённое на полотне, на новый, планетарный уровень.
Корпус Бенуа, зал № 81
До начала Великой Отечественной войны Дейнека жил в Севастополе. С тех пор у него хранились альбомы с зарисовками, сделанными в крымский период. Именно они послужили основой для этой работы. А стимулом стали фотографии разрушенного города, которые он увидел в начале 1942 года.
Дейнека не стремился к реалистичности в изображении битвы, но хотел достичь достоверности в движениях и ракурсах советских воинов, раз за разом рисуя человеческое тело с натуры. Правда, моделей было не найти: все мужчины ушли на фронт. Поэтому для матроса на переднем плане позировала женщина. Несмотря на все усилия художника, его обвинили в неубедительности и даже незавершённости картины. Тогда это помешало ему получить Сталинскую премию. Сегодня же эта работа — признанный шедевр батальной живописи.
В Русском музее можно увидеть более двух десятков работ Куинджи. Самая известная среди них — «Лунная ночь над Днепром» (1880).
Неудачный эксперимент
Экспериментируя с красками, в чёрный цвет Куинджи добавлял битум. Тогда свойства этого вещества не были изучены и никто не мог предположить, что в результате полотно так потемнеет. Из-за того что краска вступила в реакцию с битумом, отреставрировать картину невозможно.
Юлия, гид в Санкт-Петербурге
Всё, что видит зритель, — мерцание лунного света на водной глади. Остальные детали погружены в темноту ночи. Пейзаж получился настолько реалистичным, что Куинджи подозревали в использовании специальных ламп, которые он якобы поместил за полотном, и даже в сделке с дьяволом! На самом деле это результат тонкой работы и экспериментов по смешиванию красок, которые художник проводил в химической лаборатории Д. И. Менделеева.
Полотно нашло покупателя до того, как было окончено, и вошло в историю живописи как экспонат первой в России моновыставки.
Будучи представителем академизма в живописи, он писал полотна на исторические, античные и религиозные темы. Одно из них — «Грешница» (1873). В основе сюжета — одноимённое стихотворение А. К. Толстого, повествующее о встрече блудницы с Христом, которое символизирует столкновение языческого и христианского миров. Во времена Семирадского это произведение было очень популярным — его горячо обсуждали и читали вслух в литературных салонах.
Особенность работы заключается в неуловимой игре света и тени, благодаря которой герои выглядят очень реалистично. Полюбоваться полотном и ещё семью картинами художника можно в Русском музее.
Коллекция работ Шишкина в Русском музее насчитывает более 80 картин. Благодаря столь обширному собранию можно проследить этапы становления художника. Здесь есть «Вид в окрестностях Петербурга» (1856) — один из первых пейзажей Шишкина, написанный в годы его учёбы в Академии художеств и удостоенный медали. Особое место среди ранних работ занимают этюды с летней практики юного живописца на острове Валаам, где тот в мельчайших деталях передаёт красоту северной природы.
«Вид в окрестностях Петербурга» • «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» • «Утро в сосновом бору»
Одна из самых значимых картин европейского периода мастера — «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» (1865). Она принесла ему звание академика и тоже хранится в Русском музее. Здесь же можно увидеть самую известную работу Шишкина — «Утро в сосновом бору» (1889). Но не большое полотно в цвете (оно экспонируется в Третьяковской галерее), а карандашный набросок, с которого начинался великий шедевр.
Верещагин постоянно путешествовал, задерживаясь дома лишь на один-два месяца. Каждая поездка вдохновляла его на серию новых работ, раз за разом приносивших ему всё более широкую известность.
В Русском музее хранится девять картин Верещагина, посвящённых Средней Азии, Кавказу, Палестине, Японии и России. Особого внимания заслуживает большое полотно «У дверей мечети» (1842), написанное им после посещения Туркестана и характеризующее его как мастера мельчайших деталей. В этой работе художник с невероятной точностью изобразил богатый орнамент двери мусульманской мечети Газрей-Вассави.
«У дверей мечети» • «Всадники, переплывающие реку» • «В Иерусалиме. Царские гробницы»
Талант этого художника не знал границ. Врубель писал картины, иконы, фрески, создавал эскизы к театральным костюмам и керамику невероятной красоты. Однако в историю живописи он вошёл благодаря циклу работ со сквозным персонажем — демоном.
Гений и безумец
Долгие годы физические и интеллектуальные силы живописца подтачивала душевная болезнь. Он постоянно лечился в психиатрических клиниках, а в краткие моменты просветлений создавал выдающиеся произведения, от которых веет чем-то потусторонним. Это дало повод современникам утверждать, что художник продал душу дьяволу и поплатился за это собственным здоровьем. Сам Врубель считал, что все беды последних лет — это наказание за страшное преступление, которое он совершил, когда посмел писать Христа и Богородицу, одновременно работая над «Демоном». Именно в этот период у него появились первые признаки психического расстройства.
Максим, гид в Санкт-Петербурге
Последним полотном в этой серии стал «Шестикрылый серафим» (1904), где злой дух превращается в божественного вестника, образ которого вдохновлён стихотворением А. С. Пушкина «Пророк». Демон, переродившийся в серафима, символизирует перелом в духовных исканиях самого Врубеля. Картину он писал в перерывах между приступами тяжёлой болезни, полотно стало его последней масштабной работой.
Мечтая стать живописцем, маляр Филонов часами копировал картины великих мастеров в Русском музее, готовясь к поступлению в Академию художеств в Санкт‑Петербурге. Однако проучившись там несколько лет, отчислился по собственному желанию, чтобы стать одним из основоположников русского авангарда.
Теперь в том же музее можно увидеть одну из самых впечатляющих картин Филонова — «Формула весны» (1929). Как и другие свои работы, эту он писал мелкими мазками (или, как говорил сам мастер, — «атомами»), нанося их тонкой кистью и двигаясь от одного угла холста к другому. Результат тонкой работы восхищает: сотни цветных «атомов» закручиваются в вихре и кружат голову как первый запах весны.
В начале пути он искал себя, рисуя картины в стиле разных направлений авангарда. А потом создал новый стиль — супрематизм, выделив в нём три стадии: чёрную, цветную и белую. В понимании художника первая предполагала исследование формы, вторая — цвета, третья — фактуры.
Вопросы без ответов
О смысле этой картины горячо спорят уже больше века. Что это: произведение искусства или жест, манифест беспредметной живописи? Месть провинциального самоучки, не принятого дважды в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, или приговор старому искусству? Взгляд в бездну, в тоннель, ведущий к центру Земли, или универсальное знание, сложившее в пачку чёрно-белые негативы с изображением всего сущего? А может быть, это просто маленький мальчик с огромным чёрным ранцем, идущий по заснеженному полю?
Максим, гид в Санкт-Петербурге
Каждую стадию он воплотил в серии полотен, большая часть которых есть в собрании Русского музея. Самое известное — «Чёрный квадрат». Это начало и конец всех форм и красок мира — так описывал его смысл Малевич.
Рекомендуем заглядывать в этот гид во время прогулки по залам Русского музея. Он познакомит с экспозицией не хуже музейного каталога. А если хочется чего-то необычного, можно сходить в музей в компании гида-художника или побывать здесь на экскурсии-квесте с загадками о великих мастерах и их полотнах.
Автор: Инна Метелькова
Ещё на тему путешествий
Экскурсии в Санкт-Петербурге
индивидуальная
Изучить парадные и секретные места города и увезти с собой профессиональные фотографии
6500 руб.
5525 руб. за экскурсию
Посмотреть все
-
Икона «Ангел Златые Власы»
-
Маленький угловой кабинет и парадная спальня великой княгини Елены Павловны
-
Дмитрий Левицкий — портрет Екатерины Нелидовой
-
Белый зал
-
Карл Брюллов — «Последний день Помпеи»
-
Иван Айвазовский — «Девятый вал»
-
Иван Репин – «Бурлаки на Волге»
-
Михаил Врубель — «Демон летящий»
-
Михаил Нестеров — «Святая Русь»
-
Валентин Серов — «Портрет Иды Рубинштейн»
-
Борис Кустодиев — «Купчиха за чаем»
-
Василий Кандинский — «Святой Георгий (II)»
-
Казимир Малевич — «Красный квадрат»
-
Павел Филонов — «Крестьянская семья (Святое семейство)»
РУССКИЙ МУЗЕЙ: ПУТЕВОДИТЕЛЬ
ПО МИХАЙЛОВСКОМУ ДВОРЦУ
И КОРПУСУ БЕНУА
Дворцовые интерьеры, старинные иконы, портретная живопись XVIII века и главные шедевры XIX и ХХ столетий
РУССКИЙ МУЗЕЙ: ПУТЕВОДИТЕЛЬ
ПО МИХАЙЛОВСКОМУ ДВОРЦУ
И КОРПУСУ БЕНУА
Дворцовые интерьеры, старинные иконы, портретная живопись XVIII века и главные шедевры XIX и ХХ столетий
Справа от главной двери — вход для посетителей с ограниченными возможностями: здесь они могут вызвать сотрудника музея.
Русский музей — крупнейшее в мире собрание российского искусства, от старинных икон до работ современных художников. Он был основан в 1895 году по указу Николая II и в то время назывался Русским музеем императора Александра III. Сегодня собрание Русского музея занимает шесть зданий — обойти их все за один день, конечно, не получится. Поэтому мы составили для вас путеводитель по главному зданию музея — Михайловскому дворцу — и Корпусу Бенуа, который расположен рядом с ним.
Русский музей — крупнейшее в мире собрание российского искусства, от старинных икон до работ современных художников. Он был основан в 1895 году по указу Николая II и в то время назывался Русским музеем императора Александра III. Сегодня собрание Русского музея занимает шесть зданий — обойти их все за один день, конечно, не получится. Поэтому мы составили для вас путеводитель по главному зданию музея — Михайловскому дворцу — и Корпусу Бенуа, который расположен рядом с ним.
Русский музей — крупнейшее в мире собрание российского искусства, от старинных икон до работ современных художников. Он был основан в 1895 году по указу Николая II и в то время назывался Русским музеем императора Александра III. Сегодня собрание Русского музея занимает шесть зданий — обойти их все за один день, конечно, не получится. Поэтому мы составили для вас путеводитель по главному зданию музея — Михайловскому дворцу — и Корпусу Бенуа, который расположен рядом с ним.
Михайловский дворец
Государственный Русский музей (Михайловский дворец), Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Михайловский дворец), Санкт-Петербург
Фотография: ИВА Афонская / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Михайловский дворец), Санкт-Петербург
Фотография: Александр Щепин / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Михайловский дворец), Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Михайловский дворец), Санкт-Петербург
Фотография: ИВА Афонская / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Михайловский дворец), Санкт-Петербург
Фотография: Александр Щепин / фотобанк «Лори»
Экскурсия по Михайловскому дворцу начинается с Парадного вестибюля. В нем сохранилась ампирная отделка XIX столетия: вход украшен аркой, стены — аллегорическими барельефными изображениями, которые олицетворяют воинскую славу России. Их характерные детали — воинские шлемы, мечи, щиты, двуглавые орлы и лавровые венки как символ победы. Широкая парадная лестница ведет на галерею, украшенную коринфскими колоннами: их верхние части — капители — отделаны рельефным растительным орнаментом.
С галереи начинается маршрут по музейной экспозиции. На втором этаже находятся залы 1−17: в них в хронологическом порядке расположены картины, иконы и скульптуры от времен Древней Руси до середины XIX века.
Экспонаты Михайловского дворца: старинные русские иконы, работы Брюллова и Айвазовского
Экспонаты Михайловского дворца: старинные русские иконы, работы Брюллова и Айвазовского
Архангел Гавриил («Ангел Златые власы»). Конец XII века
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Зал №1 в Михайловском дворце посвящен старинной русской иконописи. Здесь представлены работы московских, новгородских, псковских мастеров разных столетий. В этом зале обратите внимание на самую древнюю икону в коллекции Русского музея — «Архангел Гавриил» XII века. Ее другое название — «Ангел Златые Власы»: волосы Гавриила украшены тонкими нитями из сусального золота. В античном искусстве такая деталь символизировала величие и бессмертие.
Автор иконы неизвестен, но манера письма, в которой она выполнена, была характерна для византийской художественной школы. Образ Гавриила относится к деисусному чину — композиции из нескольких икон с изображениями Богородицы, Иоанна Предтечи, архангелов и святых, которые в христианстве играют роль заступников за грешных людей перед Христом.
В следующих трех залах также размещены иконы. Два из них посвящены работам самых известных русских мастеров — Андрея Рублева и Дионисия.
Федор Рокотов. Портрет графа И.Г. Орлова. Между 1762 и 1765
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Карло Бартоломео Растрелли. Анна Иоанновна с арапчонком. 1741
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Федор Рокотов. Портрет А.Г. Бобринского в детстве. Середина 1760-х
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Федор Рокотов. Портрет графа И.Г. Орлова. Между 1762 и 1765
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Карло Бартоломео Растрелли. Анна Иоанновна с арапчонком. 1741
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Федор Рокотов. Портрет А.Г. Бобринского в детстве. Середина 1760-х
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
В залах №5 и №6 выставлены работы художников XVIII века: Луи Каравака, Ивана Вишнякова, Алексея Антропова. Дальше вы попадете в зал №7 — Маленький кабинет, который принадлежал супруге великого князя Михаила Павловича. Здесь, в отличие от предыдущих помещений, сохранились детали интерьера той эпохи: цветной паркет, камин с зеркалом и настенная роспись. Их изготовили по эскизам Карла Росси. В этом зале можно увидеть скульптурную композицию Бартоломео Карло Растрелли «Анна Иоанновна с арапчонком». Фигуру императрицы, выполненную в полный рост, должны были установить перед новым Зимним дворцом, но не успели: Анна Иоанновна скончалась, и на престол взошла Елизавета Петровна. «Анна Иоанновна с арапчонком» — один из редких образцов скульптурного коронационного портрета, который сохранился до наших дней.
В следующем, восьмом зале раньше располагалась парадная спальня великой княгини. Здесь сохранилась потолочная роспись с изображениями купидонов и растительными орнаментами. Обратите внимание, что этот же мотив повторяется на полуколоннах, которые украшают стены зала. Сейчас здесь выставлены образцы русской скульптуры и портретной живописи конца XVIII — начала XIX столетия. В их числе вы можете увидеть работы Федора Рокотова — одного из самых известных московских портретистов XVIII столетия. В Русском музее хранятся рокотовские портреты внебрачного сына Екатерины II Алексея Бобринского, графа Ивана Орлова, графини Елизаветы Санти и Варвары Суровцевой.
Дмитрий Левицкий. Портрет Е.И. Нелидовой. 1773
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Один из залов экспозиции посвящен творчеству Дмитрия Левицкого — знаменитого живописца XVIII века, мастера камерных и парадных портретов. По заказу Екатерины II Левицкий написал серию «Смолянки», в которую вошли семь портретов дворянских дочерей, воспитанниц Смольного института благородных девиц. Одна из них — юная Екатерина Нелидова, будущая придворная дама и фаворитка Павла I. Дмитрий Левицкий написал ее в театральном костюме: воспитанницы Смольного института часто устраивали спектакли и танцевальные представления, на которых, помимо прочих зрителей, нередко присутствовали члены императорской семьи.
Белый зал Михайловского дворца, Санкт-Петербург
Фотография: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Белый зал Михайловского дворца, Санкт-Петербург
Фотография: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Белый зал Михайловского дворца, Санкт-Петербург
Фотография: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Белый зал Михайловского дворца, Санкт-Петербург
Фотография: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Белый зал Михайловского дворца, Санкт-Петербург
Фотография: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Белый зал Михайловского дворца, Санкт-Петербург
Фотография: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
В Белом, или Белоколонном, зале Михайловского дворца сохранились не отдельные детали интерьера, а почти вся первоначальная обстановка. Настенные росписи, мебель, светильники, цветные плашки наборного паркета — все это было изготовлено специально для зала по эскизам Карла Росси. Здесь располагался музыкальный салон, в котором великая княгиня Елена Павловна устраивала творческие вечера. На них присутствовали не только российские композиторы и поэты, но и гости из Европы: Ференц Лист, Гектор Берлиоз и другие. В середине XIX века во дворце открылись музыкальные классы, на основе которых позже была создана Петербургская консерватория.
Из Белого зала вы попадете в помещение, где представлена коллекция портретов Владимира Боровиковского, а затем — в залы, посвященные живописи начала XIX века. Один из них, академический зал №14, посвящен творчеству Карла Брюллова и Ивана Айвазовского.
Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Карл Брюллов написал картину «Последний день Помпеи» в 1833 году. Он задумывал масштабное полотно по мотивам реальных исторических событий и для этого побывал на развалинах древних городов Помпеи и Геркуланум. Кроме того, художник изучал исторические документы, в том числе труды римского историка Плиния Младшего. Подражая традициям мастеров Ренессанса, Брюллов изобразил на полотне и самого себя — в левой его части, с кистями и красками в руках. «Последний день Помпеи» сначала выставляли в Риме, Милане и Париже. В августе 1834 года картину привезли в Петербург и подарили Николаю I, а тот передал работу Брюллова в коллекцию Нового Эрмитажа. В 1897 году полотно попало в Русский музей.
Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина Ивана Айвазовского «Девятый вал», как и «Последний день Помпеи» Брюллова, стала одним из первых экспонатов Русского музея. Айвазовский писал ее не с натуры, как другие художники-маринисты, а по памяти, в мастерской. В 1844 году живописец попал в бурю в Бискайском заливе: судно, на котором он находился, сильно пострадало, и сам Айвазовский чудом уцелел. Это событие и вдохновило мариниста. Название полотна отсылает к народному поверью, согласно которому во время шторма именно девятая волна считалась самой опасной, чаще всего смертельной для корабля и его команды. Образ девятого вала как грозной силы и роковой опасности часто встречался в литературе XIX века: стихах Гавриила Державина и Александра Пушкина, романах Николая Лескова и Григория Данилевского. Познакомиться с биографией и творчеством Ивана Айвазовского, а также узнать интересные факты о других картинах из экспозиции Русского музея вы можете из подборки лекций на нашем портале.
В следующих трех залах второго этажа располагаются скульптуры Ивана Витали и Бориса Орловского, картины Андрея Иванова, Карла Штейбена и Ореста Кипренского. После того как познакомитесь с ними, возвращайтесь на первый этаж, где разместилась коллекция живописи второй половины XIX века. На экспозиции представлены несколько портретов работы Ивана Крамского, «Охотники на привале» Василия Перова, «У дверей мечети» Василия Верещагина, «Садко» и «Бурлаки на Волге» Ильи Репина.
Илья Репин. Бурлаки на Волге. 1872−1873
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина Ильи Репина поступила в собрание Русского музея в 1918 году из бывшего дворца великого князя Владимира Александровича в Петрограде. Он купил ее в 1873 году на Всемирной выставке в Вене, где произведение отметили бронзовой медалью.
Репин писал картину с 1870 по 1873 год, однако замысел возник у художника еще раньше, когда он учился в Академии художеств. В 1868 году он впервые увидел на Неве бурлаков, запряженных в лямку и тянущих тяжелый груз. Молодого Репина поразил контраст между ними и прогуливающимися по набережной людьми.
Весной 1870 года Илья Репин с братом и художниками Федором Васильевым и Евгением Макаровым отправился на Волгу, где сделал первые этюды и эскизы к картине. В центре полотна он расположил ведущего бурлака, попа-расстригу Канина, который похож на древнегреческого философа — сам живописец отмечал его «большой, умный, интеллигентный лоб». Рядом он разместил нижегородского бойца с опущенной мощной рукой, Ильку-моряка, а также мальчика Ларьку в красной рубахе, который поправляет сползающую с плеч лямку. Так Репин создал суровый групповой портрет и открыл в живописи новую тему, воспевающую духовную силу народа.
После того как осмотрите все интересующие вас полотна, вы можете по специальному переходу попасть в другое здание музея — выставочный Корпус Бенуа, где находятся временные выставки и постоянная экспозиция живописи ХХ века.
Выставочный Корпус Бенуа
Строительство Корпуса Бенуа началось в 1914 году, но вскоре было приостановлено из-за Первой мировой войны. Завершилось оно только в 1919-м. Первоначально корпус назывался Дворцом искусств и предназначался только для временных выставок.
Собор Воскресения Христова и Корпус Бенуа Государственного Русского музея, Санкт-Петербург
Фотография: Александр Алексеев / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Корпус Бенуа), Санкт-Петербург
Фотография: Заноза-Ру / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Корпус Бенуа) и канал Грибоедова, Санкт-Петербург
Фотография: Румянцева Наталия / фотобанк «Лори»
Собор Воскресения Христова и Корпус Бенуа Государственного Русского музея, Санкт-Петербург
Фотография: Александр Алексеев / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Корпус Бенуа), Санкт-Петербург
Фотография: Заноза-Ру / фотобанк «Лори»
Государственный Русский музей (Корпус Бенуа) и канал Грибоедова, Санкт-Петербург
Фотография: Румянцева Наталия / фотобанк «Лори»
В начале 1930-х годов Корпус Бенуа стал частью Русского музея. После войны его соединили переходами с Михайловским дворцом и флигелем Росси, чтобы гости музея могли легко попасть из одного здания в другое.
Сейчас в Корпусе Бенуа расположена часть постоянной экспозиции Русского музея, посвященная искусству XX и XXI веков. Картины и скульптуры здесь, как и в Михайловском дворце, расположены в хронологическом порядке. Каждый зал посвящен работам одного художника или одному из направлений живописи: символизму, футуризму, авангарду, абстракционизму и другим течениям. Чтобы осмотреть постоянную экспозицию, поднимайтесь сразу на второй этаж: в залах первого размещаются временные выставки, к ним можно вернуться позже.
Экспонаты Корпуса Бенуа: картины Врубеля, Кустодиева и Серова
Экспонаты Корпуса Бенуа: картины Врубеля, Кустодиева и Серова
Михаил Врубель. Демон летящий. 1899
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Экскурсия по Корпусу Бенуа начинается с зала, посвященного творчеству Михаила Врубеля. Здесь выставлена одна из самых известных работ художника — «Демон летящий». Врубель начал писать полотно в 1899 году, но оно так и осталось незавершенным.
Впервые образ Демона — персонажа одноименной поэмы Михаила Лермонтова — появился в творчестве художника в 1890 году. Он тогда гостил у своего друга, мецената Саввы Мамонтова. Оттуда писал сестре: «Вот уже с месяц я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а «демоническое». Полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами». Так появилась картина «Демон сидящий», которая сейчас хранится в Третьяковской галерее.
В том же году Врубель создал полотно «Голова Демона на фоне гор», а еще год спустя ему предложили проиллюстрировать поэму Лермонтова. Врубелевский Демон ни на одной из этих работ не был похож на порождение зла и врага Бога. Художник изображал его гордым печальным юношей, одиноким в чужом и враждебном мире.
Больше о творчестве Михаила Врубеля и других художников — в цикле документальных фильмов «Тайники Русского музея».
Из Врубелевского зала вы попадете в помещение, где выставлены работы символистов: Николая Милиоти, Павла Кузнецова, Николая Сапунова. А следующий зал Корпуса Бенуа посвящен творчеству Михаила Нестерова.
Из Врубелевского зала вы попадете в помещение, где выставлены работы символистов: Николая Милиоти, Павла Кузнецова, Николая Сапунова. А следующий зал Корпуса Бенуа посвящен творчеству Михаила Нестерова.
Михаил Нестеров. Святая Русь. 1905
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Прежде чем написать картину «Святая Русь», художник Михаил Нестеров много путешествовал по Русскому Северу, побывал на Соловецких островах, познакомился с бытом монахов. По мотивам впечатлений от поездки он создал и другие полотна — «Тихая жизнь», «Лисичка», «Обитель Соловецкая», «Молчание».
На картине «Святая Русь» Нестеров изобразил богомольцев, которые пришли на поклон к Христу и святым. Женские образы он писал со своих близких — матери, сестры и няни. На первый показ незавершенного полотна пришла Екатерина Васильева, которая несколько месяцев спустя стала женой художника.
Нестеров много раз переписывал отдельные фрагменты полотна, накладывал новые слои краски и писал по непросохшему маслу. Из-за этого фактура красочного слоя нарушилась. Картину отреставрировали в 2019 году. Работа была очень сложной и филигранной, в течение полугода реставраторы восстанавливали полотно так, чтобы не повредить другие его части.
В следующем зале вы увидите картины Валентина Серова и скульптуры Паоло Трубецкого.
Валентин Серов. Портрет Иды Рубинштейн. 1910
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Портрет знаменитой танцовщицы Иды Рубинштейн — одна из самых известных работ Валентина Серова и всей эпохи русского модерна. В коллекцию Русского музея эту картину передал сам художник в 1911 году.
Серов изобразил Иду Рубинштейн обнаженной. Тело ее выглядит нарочито угловатым, детали обстановки едва намечены: так художник стремился передать особенности пластики танцовщицы, отразить в статичном портрете ее манеру двигаться.
Продолжают экспозицию пейзажи и портреты Александра Головина, а в следующем зале выставлены работы Бориса Кустодиева.
Борис Кустодиев. Купчиха за чаем. 1918
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Борис Кустодиев интересовался купеческим бытом и несколько лет обдумывал идею картины, главной героиней которой стала бы женщина этого сословия. На полотне «Купчиха за чаем» он запечатлел свою знакомую — баронессу Галину Адеркас. Как и другие модели Кустодиева, она обладала пышными формами. Художник утверждал, что «худые женщины на творчество не вдохновляют». Именно благодаря ему появился термин «кустодиевские красавицы», которым обозначали пышнотелых женщин, воплощение здоровья и привлекательности. Сам же Кустодиев на момент создания картины «Купчиха за чаем» был тяжело болен. Последние 15 лет жизни он провел в инвалидном кресле.
Василий Кандинский. Святой Георгий (II). 1911
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Экспозицию Корпуса Бенуа продолжают работы представителей разных художественных течений, которые возникли в начале ХХ века. В их числе — неоклассицисты Натан Альтман и Юрий Анненков, члены объединения «Бубновый валет» Петр Кончаловский и Аристарх Лентулов, создатели теории лучизма Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. После залов с их работами вы попадете в помещение, где выставлены картины Василия Кандинского. Обратите внимание: залы с работами Кандинского и Казимира Малевича могут быть закрыты в связи с ограничениями из-за пандемии. Порядок их работы уточняйте на сайте музея.
Картина «Святой Георгий (II)» относится к началу абстрактного периода в живописи Кандинского. Искусствоведы предполагают, что на эту работу художника вдохновили старинные иконы или русские народные лубки с изображением Георгия Победоносца. Однако автор стремился передать не внешний образ героя, а гамму эмоций и ассоциаций, связанных с ним. Силуэты персонажей — самого Георгия, побежденного им дракона и принцессы, которую он освободил, — едва различимы на фоне экспрессивных цветных мазков.
Казимир Малевич. Красный квадрат. 1915
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Следующий зал музея посвящен работам Казимира Малевича. В 1915 году художник представил на «Последней футуристической выставке картин» 39 абстрактных композиций, составленных из геометрических фигур. В их число входил и «Красный квадрат», который известен также под уточняющим названием — «Живописный реализм крестьянки в 2-х измерениях». При помощи цвета и формы Малевич создал супрематический образ крестьянки в красном сарафане. Он намеренно избегал конкретных деталей: по мнению художника, невозможно было в точности воплотить окружающий трехмерный мир на плоском холсте, не прибегая к условности изображения.
Павел Филонов. Крестьянская семья (Святое семейство). 1914
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Через один зал от работ Малевича выставлены картины его идейного антагониста Павла Филонова. Полотно «Крестьянская семья (Святое семейство)» входит в цикл из 22 произведений «Ввод в мировый расцвет»: в нем художник воплотил свои идеи о будущем мире, в котором искусство станет основной движущей силой, а каждая точка на холсте — отдельной «единицей действия», подобно атому. Сейчас эту работу можно увидеть на выставке «Художники и коллекционеры — Русскому музею. Дары. Избранное».
На этой картине художник соединил образы простых деревенских жителей с персонажами евангельской легенды — Девой Марией, ее мужем Иосифом и младенцем Иисусом. Героями полотна стали и животные — лошадь и собака, курица и петух. Филонов изобразил их не как фон, но как равноправных членов крестьянской семьи, которые ничем не уступают людям.
Павел Филонов умер в Ленинграде во время блокады. После его смерти сестра художника передала все его картины на хранение в Русский музей. А в 1970-х годах они стали частью постоянной экспозиции.
В Корпусе Бенуа также выставлены полотна на военную тему, работы художников 1960–70-х годов и современных мастеров. Последние несколько залов постоянной экспозиции посвящены российскому декоративно-прикладному искусству: здесь можно увидеть майоликовые работы Михаила Врубеля, дореволюционный и советский фарфор, расписные вазы и декоративные статуэтки.
Продолжить прогулку вы можете в Михайловском саду, который расположился между Михайловским дворцом и Корпусом Бенуа.
Михайловский сад
Во времена основания Петербурга на месте нынешнего Михайловского сада располагались охотничьи угодья и крестьянские поселения, а также усадьба ротмистра Конау. В 1716–1717 годах архитектор Жан-Батист Леблон разработал план трех Летних садов: первые два находились на территории современного Летнего сада, а третий, который тогда назывался «шведским», — на месте нынешнего Михайловского. В северо-восточной части к нему примыкал дворец Екатерины I. Рядом с ним высадили ели пирамидальной формы и каштановую аллею — она вела к беседке и бассейну, украшенному фонтанами. В юго-западной части сада росли плодовые деревья и кустарники: крыжовник, вишни, яблони, смородина. Там же располагались теплицы и оранжереи для экзотических фруктов и растений.
Ограда Михайловского сада, Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Павильон Росси в Михайловском саду, Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Ограда Михайловского сада, Санкт-Петербург
Фотография: Сергей Афанасьев / фотобанк «Лори»
Ограда Михайловского сада, Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Павильон Росси в Михайловском саду, Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Ограда Михайловского сада, Санкт-Петербург
Фотография: Сергей Афанасьев / фотобанк «Лори»
Во времена правления Анны Иоанновны на территории «шведского» сада устроили «ягдгартен» — небольшой охотничий участок, где содержались зайцы и олени для придворной охоты.
В 1741 году императрица Елизавета Петровна предложила архитектору Бартоломео Франческо Растрелли разработать проект нового Летнего дворца на месте дворца Екатерины I. Зодчий придумал дворцовый сад в виде лабиринта, который украшали скульптуры и фонтаны. Позади нового здания расположился еще один парадный участок с прудами и цветником. Несколько аллей делили сад на участки строгой геометрической формы. В таком виде будущий Михайловский сад существовал до 1800 года, пока дворец Елизаветы Петровны не снесли. На его месте возвели Михайловский замок, также известный как Инженерный. А сад снова перепланировали: в западной его части теперь находился фруктовый сад, в восточной — парадные аллеи. Часть фигурных прудов засыпали, оставшиеся соединили между собой подземным каналом. Однако после гибели Павла I в 1801 году Михайловский замок перестал быть императорской резиденцией. Члены царской семьи покинули его; здание и парк постепенно пришли в запустение.
Восстановили Михайловский сад в начале 1820-х годов. На месте старых оранжерей появился Михайловский дворец, Большой садовый пруд соединили подземным каналом с рекой Мойкой, а новые деревья высадили в виде строгого каре вокруг дворца, по английской моде. Новый проект сада создавал архитектор Карл Росси. Перед фасадом Михайловского дворца появился также луг в форме неправильного овала — его назвали Масляным.
Михайловский дворец и Михайловский сад, Санкт-Петербург
Фотография: Ирина Раскина / Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Михайловский сад, Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Михайловский сад в летний день, Санкт-Петербург
Фотография: Ирина Раскина / Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Михайловский дворец и Михайловский сад, Санкт-Петербург
Фотография: Ирина Раскина / Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Михайловский сад, Санкт-Петербург
Фотография: Зезелина Марина / фотобанк «Лори»
Михайловский сад в летний день, Санкт-Петербург
Фотография: Ирина Раскина / Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
В ХХ веке несколько раз меняли планировку Михайловского сада, в итоге сделали его меньше и засыпали часть прудов. Но в 2001 году саду вернули тот вид, в каком его спроектировал Карл Росси. По периметру восстановили аллеи во французском стиле — с четкой строгой геометрией и подстриженными кронами деревьев. Такой тип парка часто называют регулярным. В центре сохранился английский пейзажный сад, для которого характерны свободная планировка, естественные формы растений и ландшафта.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала Государственный Русский музей
Автор: Ирина Кирилина
Верстка: Кристина Мацевич
Главная фотография: Александр Щепин / фотобанк «Лори»
В Русском музее Санкт-Петербурга хранятся известные картины русских художников, чьё непревзойдённое мастерство известно всему миру. На первом этаже расположены экспозиции народного искусства, относящиеся к XVII-XXI веку. Здесь выставлена большая коллекция живописи XIX века. На втором этаже – продолжение экспозиции XIX века и коллекция самых популярных картин Русского музея, написанных в XVIII веке.
«Последний день Помпеи». 1833 г. Карл Брюллов
Карл Брюллов «Последний день Помпеи»
Источник фото: Википедия
Пожалуй, это самая популярная картина Русского музея, известная во всём мире. На крупноформатном полотне изображены люди, пытающиеся спастись от смерти при катастрофическом извержении Везувия, стёршим с лица земли древнеримский город Помпеи. Художник 6 лет работал над картиной, лично посещал раскопки, воочию видел и людей, погребённых заживо, и улицы. Ему удалось определить тонкую грань между реальностью и вымыслом, и в этом диапазоне удачно изобразить чудовищную трагедию невероятно красивой. С 1833 года о потрясающем искусстве русских узнал весь мир.
Самые популярные картины Русского музея художника-мариниста Ивана Айвазовского
Иван Айвазовский «Тонущий корабль»
Источник фото: muzei-mira.com
Стоит полюбоваться шедеврами «Девятый вал» и «Тонущий корабль», написанные художником в свойственной ему манере. Оба полотна пронизывающе-эмоциональны. Разыгравшаяся не на шутку стихия вздымает валы волн, клокочет в ужасающем неистовстве.
«Тонущий корабль» 1854 г. Картина написана в серо-ультрамариновых тонах. Хмурый день с лохматыми тучами не предвещает ничего хорошего. Бушующие волны вот-вот опрокинут корабль, пустят на дно и его, и команду. Судно с бешеной скоростью несётся на острые рифы… Всюду обломки, свидетельствующие о кораблекрушениях. Кажется что отчаянные крики чаек долетают до зрителя, а вкус солёных брызг чувствуется на губах.
Портреты В. Боровиковского – самые известные картины Русского музея
Владимир Боровиковский «Портрет великой княжны Александры Павловны»
Источник фото: gallerix.ru
Портрет великой княжны Александры Павловны, предположительно 1797 г. Написан художником по заказу императорского двора перед самой свадьбой Александры – внучки Екатерины Великой, ставшей заложницей и жертвой политики. Мастер передал образ в иносказательной манере. На зрителя смотрят большие, грустные, слегка близорукие глаза. На голове вместо короны – венок из алых роз. Никаких дворцовых колонн, бархатных занавесей, блеска золота. Только нежные тона, мягкие, кроткие линии, тёмные кроны деревьев – приметы печального расставания с Россией.
Талантливым художником-портретистом написаны уникальные портреты Е. А. Нарышкиной в детстве, Павла 1, Е. А. Мусиной-Пушкиной и другие, а также изумительно красивые картины религиозной живописи: «Спаситель в окружении ангелов», «Архангел Гавриил (из Благовещения)», «Богоматерь в окружении ангелов». Никак нельзя пройти мимо этих известных картин Русского музея в Санкт-Петербурге.
«Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге» 1870 г. В. Суриков
Василий Суриков «Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге»
Источник фото: Википедия
Поистине великий шедевр был создан во времена учёбы Василия в Академии художеств. При написании монументального полотна студентом было применено несколько удачных приёмов, с которыми не смогли бы справиться даже опытные мастера. Морозная зима. Поздний вечер. Полнолуние. Лунный свет обильно заливает город, заставляя искриться белый снег. При монохромности изображения художнику удалось отобразить и «жёлтые» огоньки фонарей. Чётко прорисованные элементы ограды. Реальное ощущение холода дымчатого воздуха.
«Витязь на распутье» 1882 г. В. Васнецов
Виктор Васнецов «Витязь на распутье»
Источник фото: Википедия
На крупномасштабном полотне изображён могучий витязь перед камнем-предсказателем, согнувшийся под тяжестью доспехов, неотвратимой судьбы и фатального пророчества. Крепкий боевой конь под ним полностью разделяет думы хозяина. Чёрные зловещие вороны слетаются со всех сторон, почуяв лёгкую добычу. Красное солнце, уходящее за горизонт, предвещает беду. Вокруг черепа и кости. Дороги нет. Её автор не изобразил намеренно. На заднем плане – тёмное болото, валуны…
«Утро. Купальщицы» 1917 г. Кузьма Петров-Водкин
Кузьма Петров-Водкин «Утро. Купальщицы»
Источник фото: gallerix.ru
Произведения художника – это знаменитые картины Русского музея в Санкт-Петербурге, написанные в особой манере живописи. Полотно отличается целостностью, гармоничностью и отсутствием эротики несмотря на обнажённые фигуры матери и ребёнка. Голова женщины целомудренно покрыта белым платком, лицо выражает спокойствие. Мастерски изображён реалистичный и одновременно идеализированный мир. Немного не хватает объёма, однако сочетание цветов обладает выразительной силой. Красный цвет юбки на одной из купальщиц – акцентный характер всех работ живописца.
«Чёрный квадрат» 1923 год. Казимир Малевич
Казимир Малевич «Чёрный квадрат»
Источник фото: Википедия
Задаваясь вопросом, какие известные картины находятся в Русском музее, стоит отметить и эту, написанную художником как первое авторское повторение оригинала, созданного в 1915 году. Можно просто пройти мимо, можно долго стоять перед этим полотном, ничего не понимая, а можно задуматься о возможностях цвета и композиции. В отличие от классицизма и реализма, работа представляет собой яркий пример авангардизма и супрематизма – одного из направлений абстрактного искусства. По мнению многих людей и некоторых критиков, автором «Чёрного квадрата» мог стать любой: хоть дитя несмышлёное, хоть просто марающий бумагу бездельник». Идея художника – соединение начала и конца любого жизненного явления.
Посетив Русский музей в городе на Неве, каждый человек найдёт для себя ту самую известную картину, которая давно запала в душу, и сможет наяву полюбоваться подлинником. Обязательно откроет для себя что-то новое, способное оставить неизгладимый след в душе.