Меня возбуждает ГМИИ им.Пушкина, клонит в сон в Музее русского импресионизма и мутит в «Гараже».
Сколько раз я слышала от своих учеников «Но Анна, как же я могу выходить на международный рынок, ведь у меня нет СВОЕГО стиля!». Давайте разбираться, что же это за загадочный «зверь» такой, и почему же его все ищут!
Сейчас я приведу вам в пример три ленты самых известных художников мира, и это станет вашим первым мощным стимулом и оружием против сомнений.
Это Пабло Пикассо. Узнаем мы его не только по кубическим работам, но и по знаменитой «Девочке на шаре». Как на ваш взгляд — в одном ли стиле написаны эти работы?
Едем дальше.
Этого парня вы бы не узнали, если бы не последний плагиат на картину Альфонса Алле. Именно этот художник создал «Битву негров в пещере темной ночью». Так назывался «Черный квадрат» гениального журналиста за 70 лет до Малевича. А перед вами да-да, тот самый Казимир. Которого до создания супрематизма смело можно было окрестить импрессионистом.
«Конечно Вася!»
Перед вами картины Василия Кандинского, которого весь мир признает за огромный вклад в создание абстракции, как стиля живописи. Хотя в правом верхнем углу работа смело могла бы принадлежать перу, скажем, Роберта Фалька (смотрите)
А теперь, пока в вашей голове надрывается Сюткин со своим хитом про Васю, давайте вернемся к нашим «баранам».
Своим стилем довольно часто называют 1-2 коллекции известных всему миру мастеров. До XX века, искусство развивалось по понятному сценарию. Если я сейчас начну заполнять ленту не самыми известными произведениями Рафаэля, Микельанджело и Леонардо, вы вообще не сможете их отличить, даже если вы искусствовед со стажем.
XX век внес свои корректировки — ведь это то самое время, когда весь мир был потрясен войнами, сознание людей всего мира (!) деформировалось под давлением жутчайших событий, экономика всех стран терпела крах, дети гибли и прятались в катакомбах, людям нечего было есть, и никто до конца не понимал, что происходит. Это время, когда не было психологов, а понятие «гештальт» носило отнюдь не терапевтический смысл. Так вот, именно это воспаленное революционное сознание творческих людей по всему миру (и в первую очередь, России и Европы — очевидно почему, правда?) начало рождать деформацию образов, переносимых из сознания в искусство. И далеко не только на холсты.
Сумасшедшее развитие технологий: с появлением фотоаппарата пропала необходимость в реалистичной живописи, в том числе портретной, открытие рентгеновских лучей дало возможность заглянуть «внутрь» живых существ без вскрытия, достижения в науке пошатнули веру людей в Бога, и так далее. Все это было присыпано горами погибших без причины людей, страхом и отсутствием уверенности в завтрашнем дне. Вот, что такое 20 век и вот, что такое «современное искусство» со своим уникальным стилем каждого художника.
Уорхол превратил искусство в рекламный продукт, Мандзони закатал в консервные банки свои фекалии, а Дюшан принес на выставку писсуар, создав новое для всех понятие «инсталляции».
И обезумевшая публика сметала все это «дерьмо артиста» (цитата художника, 1961 год) со священным ужасом в глазах не потому что это прекрасно, а потому что больше не понимала, во что верить.
Этот короткий, возможно чересчур агрессивный, экскурс в историю прошлого века — не просто крик души. Больше всего я хочу, чтобы вы поняли, что понятие «своего стиля» — это не про квадратное колесо и не про чешую единорога. Свой стиль — это отражение действительности вашими глазами. Это то, что вызывает реакцию (как сейчас модно говорить «вибрации») именно у вас. Это то, ЧТО вы пишете и КАК вы пишете. Именно вы! Каждый из вас. Не пытайтесь эпатировать ради эпатажа, не пытайтесь «хайповать», чтобы выделиться и отличиться. Так вы не просто не найдете свой стиль, а напротив, еще дальше уйдете от своего собственного «Я».
Пройдитесь по музеям вашего города, посмотрите на творения художников разных эпох, задайте вопрос своему сознанию — что из этого близко именно вам? Где вам красиво? Что у вас отзывается? О чем вы хотите рассказать?
Вы любите цветы — пишите цветы! Берите кисть и пробуйте разные стили. Вам хочется кричать от несправедливости и жестокости окружающей вас действительности — посмотрите от начала до конца перфомансы Йоко Оно или Марины Абрамович. Вас возмущают политические события — познакомьтесь с творчеством Бэнкси и стритартом. Вам близки яркие краски и городские пейзажи — посмотрите картины Афремова. Учитесь, почувствуйте себя и не теряйте свой настоящий стиль в попытках отличиться. Никто из великих мастеров не шел по пути «как бы так выделиться, чтобы меня заметили в галерее!». Они писали то, что им близко, то что переживали в моменте, они передавали свое мировоззрение через творчество и поэтому стали великими, и поэтому их живопись так трансформировалась на всем их творческом пути.
Творите душой, любите свое дело и все время учитесь!
Успехов, мои дорогие коллеги и друзья!
Для меня это был, пожалуй, самый сложный пункт. Это некая мантра, которая в развернутом виде звучала примерно так:
«Не занимайся тем, что тебе не нравится и не вдохновляет. Не работай с людьми, которые тебя не уважают, с которыми у тебя нет ничего общего. Не трать на это свое драгоценное время, энергию и опыт. При этом не жди, что классные проекты свалятся на тебя сами. Проявляй инициативу».
Эта до глупости простая фраза, имела всегда огромную силу. Когда мы занимаемся, в нашем понимании, неперспективной работой, в таких условиях тяжело понять себя и свои цели. А цели формируют стиль.
Свобода стоит недешево и у всех у нас есть финансовые обязанности, которые требуют идти на жертвы с ценностями. Но работать над тем, что не вызывает никакого интереса, означает отказаться от перспективы развития.
Когда работа над проектами протекает в настроении любви и вдохновении, только тогда можно понять свой почерк. Спросите любого успешного специалиста, он вам подтвердит, что самые сильные скачки в визуальной стилистике приходились на период, когда они занимались творческими проектами.
Но это не означает, что коммерция — это тлен и безнадега. Стать избирательным в проектах — это высокий уровень и он дается не сразу. В любой коммерческой работе мы, в первую очередь, инструменты клиента и работаем с настроением служения. Это дает нам опыт и деньги. Главный тезис о том, что если вы чувствуете стагнацию и отсутствие интереса, то наработать свой фирменный почерк будет сложно, а то и вовсе заставите себя поверить, что вам это уже не интересно.
Важно не изменять своим ценностям, дабы не попасть в финансовое и эмоциональное рабство, выйти из которого очень тяжело. Где творческие проекты кажутся роскошью, а времени, сил и мотивации на развитие совсем не остается из года в год.
Коммерция и творчество довольно тонкая и деликатная тема. Более развернуто на них вам помогут ответить эти две книги. Очень рекомендую, особенно тем, кто еще в начале своего пути.
Несколько советов тем, кто хочет обрести индивидуальность и стать успешным в творческой сфере.
Сегодня поиском стиля озадачен каждый, кто, так или иначе, связан с творческой деятельностью. Писатели, журналисты, художники, дизайнеры, фотографы… Всех и не перечислишь, но все они в начале своей карьеры пытались найти свой уникальный стиль. Кому-то это удалось, а кто-то махнул рукой и занялся менее творческим ремеслом — менеджментом, например. Но если вы не хотите оставлять творчество, то поиски нужно продолжать.
Почему стиль так важен?
Есть в fashion-индустрии термин – ДНК бренда. Он подразумевает уникальную идею, принципы и приемы, которые отличают конкретный бренд от сотен других и позволяют покупателям узнавать его с первого взгляда. Например, камелии и твидовый жакет у Chanel или красная подошва у туфель Louboutin. Также и уникальный стиль дизайнера или фотографа делает его работы узнаваемыми. А если твои работы узнают, значит, ты чего-то стоишь. Иначе говоря, уникальный стиль – это узнаваемость, а узнаваемость – прямой путь к успеху.
Жакет Chanel
Вопрос об уникальном стиле особенно актуален сейчас, когда весь мир «вдохновляется» на одних и тех же ресурсах (Pinterest, Tumblr, Instagram и т. д.) и волей-неволей все копируют друг друга. В какой-то момент начинаешь думать, что все уже создано до тебя, и что ни делай — выделиться из толпы не получится, ведь сравнения с кем-то из великих не избежать.
Кроссовер Landwind X7, под копирку повторяющий стилистику экстерьера Range Rover Evoque.
Конечно, есть примеры, когда люди вообще не заморачиваются на поисках уникального стиля, копируют то, что до них хорошо сделал кто-то другой, и неплохо зарабатывают. Вспомните хотя бы китайский автопром с его бюджетными репликами, сильно напоминающими модели других марок. Но если путь плагиата не для вас, значит нужно выявлять и совершенствовать свой стиль.
Как искать свой стиль
Какой-то единой формулы поиска своей индивидуальности, как водится, нет. Все зависит от того, в какой области вы работаете, а также от склада характера и личных особенностей. Но несколько универсальных советов все-таки есть.
1. Подражайте
Как бы странно это ни звучало, но многие художники и писатели начинали именно с подражания (например, Рубенс). Они копировали работы других известных мастеров и со временем вырабатывали свой стиль. Поэтому в подражании на начальных этапах творческого пути нет ничего плохого. Напротив, это позволит вам осознать себя как личность и научит смотреть на вещи глазами разных людей.
2. Набивайте руку
Даже если ваше чувство прекрасного и индивидуальность заметны уже в самых первых проектах, не спешите почивать на лаврах. Стиль нужно оттачивать и доводить до совершенства. По прошествии времени, когда вы посмотрите на свои первые творения, вы поймете, что проделали огромную работу. Более того, вы заметите: то что вы считали вашим уникальным почерком в самом начале, переродилось в нечто новое.
3. Не бойтесь критики
Все творческие люди воспринимают критику болезненно. Создавать произведение искусства – это вам не лопатой махать. Ты жил с этим, ночами не спал, сотню раз перерисовывал, а тебе говорят: «Фи, это как у Васи Пупкина». Но не стоит сразу же кидаться на критикующего с кулаками или замыкаться в себе. Очень часто критика позволяет увидеть работу «свежим» взглядом, найти недостатки и, в конечном счете, сделать лучше.
4. Пробуйте разные техники
Чтобы понять, что у вас получается лучше, нужно сначала все перепробовать. Может быть, вы никогда не будете рисовать гиперреалистичные картины – ну, не ваше это. А вот красивые абстракции будут получаться легко и непринужденно. Составьте список жанров и стилей, которые вы хотите попробовать, и сделайте хотя бы по одной работе в каждом из них. Вы сразу поймете, когда «попадете в струю» — от работы вы получите не меньше удовольствия, чем от созерцания готового результата.
5. Используйте новые инструменты
Этот совет немного перекликается с предыдущим, но не теряет своей актуальности. Скорее всего, вы уже успели прочувствовать, как сильно творческие личности зависят от инструментов, которыми они работают. Рисовать в привычном графическом редакторе, фотографировать проверенными объективами, делать заметки любимой ручкой – все это зона комфорта, из которой время от времени нужно выходить. Возможно, вы потратите больше времени и усилий, используя непривычные инструменты. Зато отработанные алгоритмы отпадут сами собой, обнажив тот каркас, который и является вашим уникальным стилем.
Найти свой стиль, соревнуясь с тысячами талантливых конкурентов, очень сложно. Но может быть вас немного успокоит осознание того, что ДНК всех людей на планете совпадает на 99,9%, и, несмотря на это, каждый человек уникален. У природы же получилось, значит, и у вас есть шансы 🙂
- Обучающие статьи
- В поисках своего стиля. Несколько советов, чтобы найти его быстрее
В поисках своего стиля. Несколько советов, чтобы найти его быстрее
Людям слишком легко сказать, что они не умеют рисовать, хотя на самом деле они просто еще не нашли лучшего способа выразить себя.
Научиться рисовать может каждый, главное — найти свой стиль рисования и развивать его.
Работа с личным стилем избавляет от давления сравнения со сверстниками. Это дает возможность для большего самовыражения и творчества, что вызывает радость и желание развивать свои достижения.
Но с чего начать? Как найти свой собственный стиль рисования?
Не существует правильного или неправильного способа рисования.
Прежде чем мы рассмотрим, как это сделать, важно обсудить ошибочные представления о «правильном» способе рисования. Слишком часто начинающие художники разочаровываются в занятиях, потому что их способ создания изображения не является правильным с точки зрения учителя.
Не существует единственного способа рисования какого-либо предмета. Нужно найти линии и методы, которые выражают то, что вы видите и чувствуете.
Например, если вы рисуете яблоко в натюрморте. Оно не должно выглядеть так, как у всех. Это ваше восприятие этого яблока.
Как же найти свой стиль рисования?
Короче говоря, вы найдете свой стиль рисования со временем, методом проб и ошибок. Процесс требует времени, и лучший способ найти свой стиль — это экспериментировать, пробовать разные техники, подражать художникам, которыми вы восхищаетесь и которые вас вдохновляют. Изучайте произведения искусства, и с практикой и исследованиями вы начнете создавать оригинальные работы, которые другие сразу же смогут назвать своими.
Но чтобы получить более подробный ответ и руководство, читайте дальше.
Вам также необходимо иметь представление о том, как эти черты сочетаются друг с другом и создают образ. Единственный способ сделать это — изучить произведение искусства.
Не просто смотрите на изображение целиком. Загляните глубже, чтобы рассмотреть линии и формы. Вы быстро узнаете больше о произведении и, возможно, получите более глубокий эмоциональный отклик.
И то, и другое может подстегнуть вашу работу, когда вы станете подражать художнику в своих исследованиях.
Обязательно просмотрите целый ряд работ — в идеале онлайн и офлайн.
Легко зациклиться на конкретной картине известного художника. Например, вам может нравиться «Подсолнух» Ван Гога, но вы не знакомы с другими работами.
Чем больше работ вы изучаете, тем легче увидеть узоры, мазки кисти и то, как художник создает свои образы.
Впоследствии становится легче пытаться копировать их подход и учиться у них.
Вы можете найти огромное количество идей, зайдя в Интернет и выполнив поиск по картинкам. Музеи и галереи также могут предложить множество изображений на своих сайтах, чтобы вдохновить зрителей.
Однако ничто не сравнится с тем, что можно увидеть в реальности. Вы можете получить лучшее представление о создании произведения искусства, увидев его в реальности в галерее.
Нет необходимости копировать всю картину. Для начала это может стать непосильной задачей для новичка.
Лучше сосредоточиться на каком-то ключевом участке и сделать его наброски. Это особенно полезно, если в чьей-то работе есть конкретный элемент, который вы цените.
Возможно, вам нравится, как Альфред Маннингс нарисовал свою лошадь, но остальные части рисунка вас не интересуют. Сосредоточьтесь пока на копировании этих лошадей.
Переходите от подражания произведениям искусства к созданию собственных каракулей и набросков.
Когда вы станете увереннее работать с художниками, которые вас вдохновляют, вы сможете перенести эти навыки на другие работы.
К этому моменту вы уже должны иметь представление о том, как обращаться с ручкой или карандашом, чтобы создавать нужные вам линии.
Поток творческого самовыражения должен начать приходить более естественно. Поэтому, обратившись к другим темам, вы сможете создать изображения, которые продемонстрируют как ваш вновь обретенный стиль, так и ваше вдохновение.
Отличной отправной точкой является работа с фотографиями.
Фотографии дают вам последовательное изображение, как и произведения искусства в книге или в Интернете. Но затем вы можете добавить свои собственные интерпретации, чтобы понять, как нарисовать сцену, а не полагаться на влияние выбранного вами художника.
Фотографии из вашей собственной коллекции или поиск изображений в Google должны предоставить огромный выбор для работы.
Вы можете обнаружить, что у вас есть природные способности к рисованию животных в выбранном вами стиле. Или, возможно, у вас блестяще получается работать с натюрмортами, портретами или пейзажами.
Со временем вы сможете сфокусировать этот интерес и создать оригинальную работу на тему, которая будет развивать ваш стиль.
Один из способов сделать это — работать с реальными вещами, а не с фотографиями.
Как только вы лучше освоите свой новый стиль рисования, предпочтительную тему и лучшие материалы, вы сможете исследовать дальше.
Вы можете изучать животных, людей, предметы и сцены и то, как они адаптируются.
Более глубокое понимание предмета, как вы его видите и ощущаете, может позволить вам проявить больше эмоций и экспрессии.
Идея эволюции важна, потому что вы не хотите продолжать создавать те же работы, что и в самом начале.
Со временем вы можете наткнуться на моменты и маленькие счастливые случайности, когда изображение примет другой оборот. Возможно, вы найдете какую-то плавность или новый способ изображения, который вам понравится.
Запишите, что вам нравится и почему.
Используйте эти наблюдения, чтобы направить свои новые работы в несколько иное русло. Не бойтесь ошибиться или создать что-то, что вы бы не показали никому другому, просто чтобы избежать неловкости.
Также важно не слишком беспокоиться об окончательной доработке изображений. Вы не играете с этими идеями, чтобы создать идеальное законченное изображение.
Вы можете создать впечатление от сцены или сосредоточиться на небольшой детали, с которой вы боролись.
Эти небольшие исследования, пусть даже грубые, могут дать небольшую искру вдохновения или укрепить вашу уверенность, когда идея сработает.
Личный скетчбук на определенную тему — это великолепный инструмент. Он не просто предоставляет много чистых страниц для новых идей и попыток запечатлеть выбранный стиль и образы.
Неплохо также использовать скетчбук как место для записи своих мыслей и идей.
Делайте пометки к этюдам и даже к самым маленьким каракулям, чтобы показать, что вам нравится и над чем вы хотите работать дальше.
Эти заметки помогут вам выразить мысли о вашей работе и намерения, которые, возможно, не нашли отражения в изображении.
Переплетенная книга также гарантирует, что все эти изображения станут коллекцией. Вы можете перелистывать страницы с первого дня и до сегодняшнего дня и видеть, как далеко вы продвинулись.
Вы можете создать путешествие, в котором вы сможете проследить свой прогресс от попыток подражать вдохновляющему художнику, через эволюцию и сосредоточенность на идеях до ваших текущих работ.
Вы можете пролистать и увидеть весь достигнутый прогресс и придать себе немного уверенности.
В будущем, когда вы почувствуете необходимость сменить направление, вы сможете напомнить себе об этом путешествии и о том, как вы легко можете заново создать себя.
В течение первого месяца или около того вам может казаться, что вы делаете не больше, чем просто копируете работы других художников.
Это может обескураживать, когда все, что вы хотите сделать, это проявить индивидуальность. Однако эти моменты пройдут со временем, когда вы улучшите свои навыки работы с инструментами для рисования и обретете больше уверенности.
Вы постепенно начнете замечать изменения в том, как вы рисуете, которые отдаляются от оригинального художника и становятся немного более уникальными, немного более похожими на ваш способ рисования.
Кроме того, в искусстве нет финишной прямой. Это не то, что у вас есть какой-то грандиозный финальный проект или крайний срок, до которого вы должны доработать, а потом вы закончите.
Вы всегда будете находить новые идеи и темы для исследования. Всегда можно попробовать что-то новое, а это означает состояние постоянной эволюции.
Ни один художник никогда не должен бояться подталкивать себя и экспериментировать, даже если все идет не по плану.